AUTORES DEL RENACIMIENTO

ARQUITECTURA

·         BRUNELLISCHI FILIPPO

 Capilla de los Pazzi (Florencia)

La Capilla de los Pazzi, obra de Filippo Brunelleschi , fue hecha entre los años 1430 y 1444,  se encuentra en lo que se conoce como la Iglesia de Santa Croce de Florencia en Italia.  Es una pequeña capilla cuyo acceso es desde el claustro de la iglesia de Santa Croce, Florencia.  El arquitecto Brunelleschi tuvo la dificultad de tener que adaptarse a un espacio que era muy pequeño.  Consta de la planta de cruz griega y tiene una cúpula central y también un pórtico exterior, esto fue la solución que Brunelleschi dio con respecto al espacio.  Por dentro, tiene una combinación de un eje longitudinal que marca el camino del altar, con la disposición de una centralización espacial a través de la cúpula.  Destaca en su diseño la armonía de las líneas arquitectónicas, sobresalientes al combinar la piedra al descubierto de los elementos constructivos con la superficie blanca de los muros y a su vez al usar varios colores con la cerámica invetriata, proporciona una increíble belleza en los frisos y pechinas.  En el pórtico se puede apreciar el sistema de módulos  y la relación entre las paredes con un arco central adintelado sobra las columnas.  Tras la muerte de Filippo Brunelleschi, la obra fue intervenida por Michelozzo y Giuliano da Maiano.

 Hospital de los Inocentes

El hospital, fue idea promovida por el mismo Brunelleschi para recoger niños abandonados, en relación al espacio en la plaza de San Annuziata, sobre la cual en el siglo XVI tuvo una intervención de arquitectos como Sangallo, el viejo.   Brunelleschi dirigió la obras des 1419 hasta el año 1427, en este año se hizo cargo de la obra F. della Luna, quien realizó el segundo piso de la fachada.
Un detalle muy claro de la arquitectura de Brunelleschi que se basa en el sistema de proporciones, es el pórtico basado en arcos, puesto que el ancho del vano y del pórtico, tiene la misma altura que las columnas, siendo así un cubo que se repite durante nueve veces.  Su diseño se basa en lo que es el predominio de las horizontales  y el racionalismo, lo cual ha llevado a expertos a afirmar que el Hospital de los inocentes es la más moderna realización burguesa de la arquitectura florentina.  Entre los arcos, se pueden apreciar medallones que fueron realizados por Andrea della Robbia, donde se representan a niños envueltos en pañales, recordando el propósito para el que fue realizada la construcción.  En la parte interna del hospital, este esta organizado alrededor de un patio con arcos.   Actualmente el edificio es la sede de la Galleria dello Spedale degli Innocenti, un museo donde se encuentran obras de Ghirlandaio, Botticelli, Andrea del Sarto, los Della Robbia y pintura italiana del siglo XVIII.

 Iglesia del Santo Spirito

Ubicada en Florencia, Italia, la Iglesia del Santo Spirito fue realizada en el año 1434, en donde Brunelleschi usa la luz racional en la arquitectura, lo cual es nuevo con relación a sus trabajos anteriores.  Esta luz favorece en crear una sensación de unidad espacial, puesto que la luz proviene de la nave central y es la que ilumina a toda la iglesia.  En el Quattrocento, la nueva arquitectura religiosa utiliza a la luz como un factor que permite al ojo del hombre medir el edificio, ya no es como lo que ocurría con las luces oscuras provenientes de las vidrieras en las catedrales que generaba percepciones espaciales lejanas a la realidad del hombre.  La iglesia esta hecha en planta basilical, con tres naves y 35 columnas monolíticas con capiteles corintios que conforman el espacio interior de manera armónica y rodeada de 40 capillas semicirculares. Con fachadas simples, hacen del templo un de las composiciones arquitectónicas más agradables y elegantes de lo que es todo el Renacimiento, destacando el puro estilo de Filippo Brunelleschi.  La parte del campanario fue realizado entre los años de 1503 y 1517 y es obra de Baccio de´Agnolo.  Mientras que la zona del vestíbulo y la de la sacristía, fueron diseñadas por Guiliano da Sangallo, donde el primero es decir el vestíbulo fue construido por el Cronaca, y la cúpula se la terminó de construir hasta los últimos años del siglo XV. Esta obra es una muestra de una perfecta unidad que goza de claridad arquitectónica.

·         ·         DONATO BRAMANTE

ü  Iglesia de Santa Maria delle Grazie

Obra de Donato Bramanta fue realizada en el año 1492 en Milán, Italia.

Aquí bramante vio la oportunidad para desarrollar un amplio espacio interior con bóvedas en el presbiterio y cabecera de la iglesia Santa María de las Gracias de Milán, la cual es considera como la más destacada arquitectura de s obras de Donato Bramante en Lombardía.  Anteriormente Guiniforte Solara realizó unas naves góticas con crucerías, al final de estas Bramante incorporo extenso crucero de planta cuadrada, con ábsides semicirculares en los extremos,  aplicando el modelo de Brunelleshi en el plano de la Sacristía Vieja florentina, lo prolonga en otro cuadrado menor para destinarlo  al coro de la comunidad. Reviste el  cuadro más grande con pechinas sobre cuatro coronas circulares y las decoró mediante apliques de barro cocido y pintado al gusto lombardo, el cual eleva a cierta altura un tambor que guía a una galería de columnas que a su vez enmascaran la cúpula con linterna.  Inmediatamente se localiza el claustro que esta en la cabecera de la Iglesia y al refectorio archifamoso en el cual Leonardo da Vinci pintó La Cena.   El claustro fue concebido de una solo planta, cuenta con columnas toscanas y con enjutas decoradas con espejos lisos recordando a  Laurana.

ü  Basílica de San Pedro

Realizada por Bramante entre los años 1505 y 1506.  Este proyecto inicia bajo la idea de Julio II por cubrir el sepulcro encargado a Miguel Ángel  sustituyendo la vieja basílica constantiniana del siglo IV con una nueva construcción la cual llego a ser  un emblema arquitectónico del estilo de Bramante.  En esta Basílica, el arquitecto utiliza la planta de cruz griega de cuatro brazos iguales que terminan en ábsides con entradas desde los cuatro puntos cardinales con la cúpula como elemento principal dentro del templo católico. Contaba con una galería con columnas dispuestas como un tolos gigante sobre la cual se encuentra una enorme semiesfera y para contrarrestar ese peso, dispuso en la bisectriz de los cuatro diedros otras cuatro cúpulas menores y a los extremos cuatro torres cuadradas, formando una macla cristalográfica, de la cual sólo ha persistido  la medalla conmemorativa de la primera piedra bendecida por Julio II en el año  1506, obra de Caradosso.

Tras el fallecimiento del último Sangallo en 1546, el Papa dispuso a Miguel Ángel terminar la obra, el cual cambio el plan de  Bramante por una sola entrada principal y no como lo había hecho Bramante, cuatro abiertas a los extremos de los brazos de la cruz griega y colocó la entrada con pilares ochavados en el crucero como sostén una cúpula más grande sobre el tambor.

Ø  Iglesia de la Consolación

La Iglesia de la Consolación es obra de Donato Bramante, quien la realizó en entre los años de 1508 y fue concluida la obra en 1607.  A diferencia de  el proyecto para San Pedro del Vaticano fue interrumpido, e irrealizado debido a la muerte de Donato en el año 1514, otro de sus diseños del año 1508, fue realizado por Cola di Matteuccio o de Caprarola y finalizado recién a los comienzos del siglo XVII, y esta obra permitió tener noción de la capacidad del arquitecto Bramante para alzar al cielo la cúpula conformadora del plan central.  La Iglesia de la Consolación se encuentra a las afueras de la ciudad de Todi, dirige sus cuatro ábsides semicirculares en la cruz griega con impulso suficiente para elevar el suntuoso cubo central que permite mantener rígida la cúpula sobre el tambor cilíndrico de gran verticalidad, sin el enmascaramiento de la cúpula milanesa de Santa María de las Gracias.

·         ANDREA PALLADIO

Ø  Villa Capra, conocida como "La Rotonda"

Localizada en Vicenza fue realizada entre los años de 1567 y 1569.  Pertenece al Cinquecento, en la cual tuve una notable labor desde Rafael, la villa tuvo el papel de mansión campestre de placer y recreación.  Palladio se desteca por ser el quien tuvo tantas oportunidades para plasmar lo que es Cinquecento, de todas sus obras, la más famosa es precisamente esta, la Villa Capra o también conocida como “La Rotonda” en las afueras de Vicenca,  construida con planta de cruz griega, debido a los cuatro pórticos de orden jónico, elevados sobre el alzado estereóbato, su manera de abrigarlos, detrás las ventanas de gran luz, consta además de una sala central en forma circular con una cúpula adornada con frescos como una especie de un Panteón Augústeo más reducido.  Encima de los vértices se encuentran los cuatro frontones y las estatuas que la adornan recortan sobre el cielo su constante coronación plástica.

Ø  Villa Godi

Es una villa que pertenece al siglo XVI y es obra del arquitecto Andrea Palladio. Se ubica en Lonedo, municipio italiano de Lugo di Vicenza, desde al año 1996 es parte de los lugares Patrimonio de la Humanidad de la Unesco.   Es uno de los primeros trabajos de Palladio, y fue una obra encargada por los hermanos Girolamo, Pietro y Marcoantodio Godi.  Su construcción inició en el año 1537 y culminó en 1542, y más tarde tuvo cambios en la entrada posterior y los jardines.

Se trata de una obra obtenida en el taller de Gerolamo Pittoni y Giacomo da Porlezza, en donde Andrea era el especialista de arquitectura. Villa Godi es el inicio en la búsqueda por construir un nuevo concepto de casa de campo con el intento de combinar de la tradición constructiva local con los nuevos conocimientos que Palladio estaba adquiriendo poco a poco gracias a la ayuda de Giangiorgio Trissino.  Actualmente se encuentra abierto al público por la tarde tanto la villa como sus amplios y bellos jardines, dentro de la villa se encuentra un museo de arqueología en el sótano, con gran variedad de fósiles de plantas y animales del área.

En esta obra, Palladio presenta menos decoración de lo que habitualmente lo hará en sus obras posteriores.  El plano se organiza por dos apartamentos a cada lado del eje central con la entrada alineada y el salón principal, mostrando aun características de la arquitectura de la época de Palladio sin una inspiración en la  unidad armónica de paisaje con arquitectura.

Ø  Monasterio de San Giorgio Maggiore

En la pequeña isla de San Giorgio Maggiore, frente a la Piazzeta en Venecia se encuentra la Basílica de San Giorgio Maggiore que forma parte del monasterio del mismo nombre, ambos son obras del arquitecto de Vicenza, Andrea Palladio, entre los años 1565 y 1568,  convirtiéndose estas en unas de sus obras más destacadas.  La basílica muestra su fachada hacia el Bacino di San Marco, una fachada en forma de templo clásico que consta de una sola entrada y con cuatro columnas dispuestas sobre altos plintos, con entablamento por encima  con el fin de sostener un tímpano clásico, con esto Palladio logra resolver y contribuir a los problemas más sentidos por los arquitectos del renacimiento, el cual es encontrar una forma de brindar un aspecto con inspiración en el templo clásico a un edificio tripartito como la iglesia cristiana de tres naves, el interior despejado muestra proporciones perfectas, algo típico de Palladio.  La obra fue terminada de construir en 1576, a la vez que la fachada se completó en 1610, trabajo de Vicenzo Scamozzi, luego de treinta años de que murió el maestro, aquí se pueden encontrar los

Últimos cuadros de Tintoretto: La última cena (1592-1594), Recogida del maná (1594) y La deposición (1592-94). Las dos primeras se encuentran en los muros del presbiterio, y la última en la capilla de los muertos.

PINTURA

·         MASACCIO

Ø  Liberación de un endemoniado

Esta pintura fue realizada en el año 1428 y se encuentra bajo una colección particular, sus dimensiones son de 115 x 106 cm y la técnica aplicada por Masaccio fue témpera sobre madera.   Es considerada que la Masaccio concibió la escena y su ayudante Andrea di Giusto la ejecutó, esto se debe al hecho de que las figuras las cuales ocupan la mayor parte de la superficie de la pintura, presentan una falta de monumentalidad que Masaccio aplico en la capilla Brancacci.

Ø  San Pedro sanando a los enfermos con su sombra

San Pedro cura a  los enfermos con su sombra fue una obra realizada en el periodo de 1424 a 1428 y actualmente se la puede encontrar en la Iglesia del Carmine de Florencia, Italia.  Sus dimensiones son de 230 x 162 cm y se la realizó mediante la técnica del fresco; pertenece al estilo del Renacimiento Italiano.  La escena del cuadro se encuentra en lo que es el compartimiento inferior del lateral izquierdo en la pared frontal, en la capilla de Brancacci.  Representa lo que es el momento recogido en los Hechos de los Apóstoles, donde San Pedro cura a los tullidos con su sombra,  esta escena toma lugar en una calle en Florencia que se encuentra en la zona de San Felice in Piazza, esto se asume por las balconadas típicas de los edificios medievales, la iglesia y el campanile ubicado en el fondo, aunque por otro lado, el parlamento almohadillado del palacio del primer plano, nos recuerda al Palazzo Pitti, obra del pintor Brunelleschi.   Tiene como gran protagonista de la composición del fresco a la perspectiva, debido al interés de Masaccio por expresar esa sensación de profundidad;  las figuras constan de una monumentalidad escultórica con una expresividad digna de admiración.  Algunos personajes han logrado ser identificados como el hombre con el turbante rojo, es Masolino, el anciano de barba blanca, es Donatello y el san Juan, es Giovanni, quien era hermano de Massacio,  y más conocido como Scheggia. 

Ø  Distribución de la limosna y muerte de Ananías

Esta obra fue realizada entre los años 1424 y 1428 y en la actualidad se encuentra exhibida en la Iglesia del Carmine de Florencia.  Sus dimensiones son de 230 x 162 cm y es un fresco del renacimiento Italiano.

La representación se encuentra en la pared frontal de la capilla Brancaccio, en el compartimiento inferior del lateral derecho, y al igual que la obra anterior, es una inspiración de Los Hechos de los apóstoles, y representa el siguiente texto que trata sobre  los creyentes que  compartían sus posesiones por lo que no había indigentes ya que los que más tenían, vendían lo suyo y se lo daban a disposición de  los Apóstoles para la justa repartición, pero cierto varón de nombre Anaías no hizo esto  y su mujer Safira entrego una parte a los Apóstoles,  Pedro lo juzgó y Anaìas y su mujer cayeron muertos. Estos dos episodios se encuentran representados como uno solo en la pintura, pues en una parte se ve a San Pedro repartiendo las limosnas y en otra se ve a Anaías muerto en el piso.  El artista, representa esto con  perspectiva obtenida por el uso de montañas  y edificios, al ser este fin una de sus principios al ser miembro del Quattrocento.  Con el pasar de los años sufrió pérdidas y esas zonas del fresco fueron pintadas por Filippino Lippi, estas son el manto rosa y la túnica de san Juan y los pies y las manos de Ananías. Como en la obra anterior, las figuras gozan de una monumentalidad con el factor  luz  el que refuerza su  forma escultórica con rostros bien interpretados puesto que Masaccio era un gran retratista.

·         PAOLO UCELLO

Ø  Giovanni Acutto

Giovanni Acutto, obra de Paolo Ucello fue realizada en el año 1436 y la encontramos en la Catedral de Florencia, Italia.  Sus dimensiones son de 732 x 404 cm y fue realizada mediante la técnica del fresco, pertenece al estilo del Renacimiento Italiano.

Es una representación ecuestre en pintura que durante este periodo, aun aparece en lo que es el contexto religioso.  Esta obra se destaca por los valores geométricos del volumen  que Paolo Uccello utiliza, dándoles iluminación propia que a su vez proporciona una definición de corporeidad.  Aparte de estos aspectos, los objetos de la obra están en el escenario pictórico como referencia descriptiva de la organización del espacio en perspectiva, con lo cual este espacio en la composición de Uccello aparece con representaciones de escenas de ficción.

Ø  San Jorge y el dragón

San Jorge y el dragón es una obra del pintor italiano Paolo Uccello, realizada con la técnica de temple sobre madera, y fue hecha entre los años de 1456 y 1460. Sus dimensiones son de 52 cm de alto y 90 cm de ancho. En la actualidad se exhibe en el Museo Jacquemart-André de París, Francia. Aunque existe una versión previa a este que se almacena en la National Gallery de Londres las dimensiones de este son de 57 x 74 cm.   Como en otras obras de Paolo Uccello, el artista crea una atmósfera irreal, recordando en cierto punto al surrealismo.  Así mismo Uccello utiliza líneas ocultas que permiten al espectador comprender mejor que es el dragón y no los personajes  el que está asustado.

Ø  Batalla de San Romano

Batalla de San Romano, además se realizaron las obras Batalla de San Romano II y III.  Esta pintura es un temple sobre tabla, se realizó en el año 1456 y pertenece al estilo del Renacimiento Italiano, actualmente se la puede observar en el Museo National Gallery de Londres, Inglaterra.  Esta pintura se encuentra en el grupo  donde se encuentran  las tablas de los Uffizi (Galeria de las oficinas en Florencia, Italia) y del Louvre (Francia).  Esta obra destaca por el contraste logrado entre la acción dinámica de los guerreros, es decir muestra movimiento, con la esteticidad y el magicismo en las figuras y objetos encontrados en el suelo, con los cuales representa un juego de líneas dentro de un sistema de perspectiva;  Paolo Uccelo, logra además con la verticalidad que le da al paisaje, acentuar una semejanza a la de un telón como si fuere una obra de teatro,  logrando a su vez dar un efecto de una sensación con una composición mas bien de torneos y de fiestas y no tanto como de una batalla real.

·         SANDRO BOTICELLI

Ø  Anunciación

La Anunciación de Botticelli, fue pintada entre los años 1489 y 1490, en la actualidad se encuentra exhibida en la Galería de los Uffizi en Florencia, Italia.  Consta de una dimensión de 150 x 156 cm y la técnica que se usó fue la témpera sobre madera, perteneciente al estilo del Renacimiento Italiano.  Es considera como una de los trabajos más importantes de Botticelli, y fue un encargo de Francesco Guardi, quien pertenecía a la burguesía media durante el Quattrocento en Florencia,  como pensamiento de aquella época, su fin era para decorar la capilla familiar de los Guardi, con el propósito de elevar su prestigio social además de ser una ayuda para su eterna Salvación.  La composición se encuentra de tal manera que las dos figuras que son la Virgen y el Ángel, están ubicadas en un espacio cerrado destacado por el contraste logrado al usar grises en las paredes y baldosas rojizas, en el fondo se observa una puerta abierta que guía  aun balcón, el cual goza de un vista de un paisaje de recuerdos flamencos, como resultado de los constantes intercambios comerciales que se dieron entre Italia y Flandes,  logrando manifestar perspectiva a través  del efecto de la profundidad  Las posturas de los dos personajes se ve forzada y destaca el movimiento a través de los paños demostrando la alta calidad de artista de Botticelli.  Sandro, utilizó colores vivos, con minuciosos detalles y pliegues en las telas.

Ø  Virgen de la Eucaristía

Esta pintura del Renacimiento Italiano consta del año 1470 y hoy en día de hoy se encuentra en Isabella Stewart Gardner. Es hecha con témpera sobre madera y sus dimensiones son 85 x 64.5 cm.

Botticelli se convirtió en uno de los pintores de Florencio que mejor supo interpretar los pedidos de sus clientes, para transmitir mensajes religioso, políticos y de filosofía, así lo muestra esta gran obra, la Virgen de la Eucaristía, cuyo nombre se debe a las espigas y uvas que lleva el ángel y la relación al milagro de la conversión en sangre y cuerpo de Cristo, a su vez el niño bendice las ofrendas reforzando el mensaje eucarístico,  mientras tanto  la Virgen observa al niño resignada a su futuro sufrimiento. El paisaje está conformado por referencias arquitectónicas, con una luz que da forma a los personajes para dotarlos de una gran belleza escultórica.  Botticelli logra dotar a las figuras de volumen y peso con una sensación monumental, esto se debe a su cercana relación con el artista Andera del Verrochio y los hermanos Piero.  Además se destaca su minuciosidad en los detalles de los pliegues en las telas junto con los colores intensos.

Ø   Oración en el huerto

  La obra autoría de Botticelli data del año 1500, actualmente está en exhibición en el Museo catedralicio de Granada.  Tiene unas dimensiones de 53 x 35cm y fue hecho con la técnica de témpera sobre madera, pertenece al Renacimiento Italiano.   España recibió al renacimiento a través delos puertos de Valencia, Barcelona, Sevilla y Lisboa puesto que por medio de ahí se daban las relaciones comerciales entre Italia y la Península Ibérica.   La oración en el huerto fue propiedad de Isabel I de Castilla, así este fue el único cuadro de Botticelli en exportarse mientras él estaba vivo, demostrado su fama en el extranjero.  El cuadro se encuentra divido en dos, en el inferior encontramos a los apóstoles durmiendo, y en la parte superior está el ángel y Cristo, unidas las dos partes por un cercado que envuelve la colina, y a la cual se accede por un camino en cuesta.  Tiene muchas plantas y árboles para completar la escena en la que para muchos Botticelli parece regresar a la época gótica, con su interés por mensajes evangélicos más que en lo técnico, perdiendo elegancia las figuras, las telas sin sus detallados y elegantes pliegues y si la importancia que el Quattrocento le da a la perspectiva.  Es una pintura donde se pueden observar ecos de la pintura flamenca, en lo que es paisaje, color y expresión de las figuras además de los detalles de las plantas expresividad de las figuras como en la minuciosidad de las plantas.  El personaje de Jesús es el centro de la composición, por ser el de mayor tamaño, capta mayor atención, siguiendo la ley de la composición de la jerarquía.

·         ANDREA MANTEGNA

Ø  Cámara de los esposos, Óculo fingido

Esta pintura de Andrea Mantegna fue realizada en entre el año 1471 y 1474,  se encuentra ubicado en el Palacio Ducal de Mantua y tiene un diámetro de 270 cm,  la técnica que se empleo es el fresco.

Esta obra es la más conocida de la Cámara de los esposos, el pintor realizó las decoración de la sala que era cuadrangular de tal manera que el observador ideal viera las obras desde el centro geométrico de la sala, por lo que al cambiar la orientación de la mirada, se debía a su vez cambiar la perspectiva, consiguiendo así que al mirar al techo en vertical y de arriba hacia abajo, se encuentra un supuesto óculo circular con una abertura hacia el cielo y un antepecho donde se pueden ver algunas figuras, un pavo real y unos amorcillos.  En la baranda usó los mismos adornos de la logia de la Corte de los Gonzaga, dando unidad arquitectónica al espacio  para el desarrollo de los personajes pintados.  Además de estos adornos se encuentran detalles anecdóticos  como lo es la vista de sooto in sú de los niñitos, encontrando a dos de ellos sacando sus cabezas por los huevos de las barandillas y llorando a la derecha de donde se encuentra el pavo real, también se encuentra un grupo de jovencitas con mirada coqueta y mostrando un peine como muestra de su aseo cotidiano.  Además Mantegna finge una decoración de cuadros como tablero de ajedrez alrededor del óculo,  apreciado por la dificultad en la proyección geométrica, con una guirnalda de flores y frutas como las que se encuentran en San Jorge o en la Virgen de los caballeros.

Ø  Triunfo de la Virtud

La pintura de Triunfo de la Virtud de Mantegna, fue realizada entre 1497 y 1502 y se encuentra en el Museo Nacional de Louvre, sus dimensiones son de 160 x 192 cm y fue hecha con témpera sobre madera.

Isabella d´Este fue una de las mujeres más eruditas de su tiempo, perfectamente educada y preparada para gobernar como ocurrió en 1509 - cuando su marido fue hecho prisionero - y a partir de 1519 debido a la minoría de edad de Federico, el heredero. Se casó con Francesco Gonzaga, marqués de Mantua, cuando tenía 16 años y en el palacio de Mantua se hizo construir su "Studiolo", pequeño espacio reservado para estudiar y meditar en el que se guardaban los objetos más queridos junto a libros y pinturas. Ella fue la primera mujer que contó con un espacio de estas características, decorándolo a su gusto y bajo su atenta mirada, ya que obligaba a los pintores a seguir sus deseos. Eligió para la ejecución de la pieza a Mantegna, Perugino y Lorenzo Costa, realizando Mantegna dos obras: el Parnaso y el Triunfo de la Virtud, tratando el tema de la virtud y la castidad a través de una reflexión sobre el amor, tomando como fuente el libro del español Diego de San Pedro titulado Cárcel de Amor, en el que hace una de las mayores alabanzas literarias de la mujer. El Triunfo de la Virtud - también conocido como Atenea expulsa los vicios del jardín de la Virtud - presenta a la diosa Atenea en la zona de la izquierda, penetrando con violencia en el jardín de la mente, portando una lanza rota mientras desde una nube contemplan la escena la Justicia, la Fortaleza y la Templanza. Junto a Atenea, símbolo de castidad y de inteligencia, aparece Dafne convertida en árbol, otro símbolo casto al tener ese destino para evitar la seducción de Apolo. Los vicios deben abandonar el jardín, ocupado en ese momento por la Lujuria, simbolizada por Venus subida a lomos del centauro. Las ninfas, el Ocio llevado por la Inercia - las dos figuras que aparecen en la zona baja de la izquierda - y la Avaricia y la Ingratitud que portan a la Ignorancia - grupo de la derecha - son expulsadas de la mente por la inteligencia. El efecto de movimiento ha sido soberbiamente conseguido por el maestro, dotando de cierta violencia a la irrupción de Atenea en el jardín. Un arco de vegetación cierra el espacio por el fondo, permitiendo contemplar un paisaje en el que destaca un serpenteante riachuelo. Las figuras recuerdan a la Antigüedad clásica, mostrando la capacidad de Mantegna para contar una historia y satisfacer a su cliente.

Ø  Parnaso

Obra de Andrea Mantegna realizada en el año 1497, actualmente se la puede encontrar en el Museo Nacional del Louvre.  Sus dimensiones son de 160 cm x 192 cm, realizado con la técnica de óleo sobre tabla y perteneciente al Renacimiento Italiano.  Este cuadro tenía como fin decorar el estudio de Isabella d´Este, ella se  lo encargó a Mantegna en el año 1497 junto con el cuadro del Triunfo de la Virtud.  Su nombre se debe  a que en él se ha querido expresar en las muchachas danzantes, las nueve musas de las artes, aunque en inventarios antiguos, consta como una Venus y Marte rodeados por los dioses, esta es una versión un poco más lógica, puesto que si fuera Parnaso, Apolo debería tener un papel con más protagonismo, portar su corona de laurel y debería aparecer la fuente Castalia que supuestamente era la fuente de la inspiración para todos los creadores, si fuera el Parnaso, no se comprende la presencia de Mercurio ni Vulcano, por lo que parece ser un cuadro alabador de los amores adúlteros de Venus, quien es esposa de Vulcano, con el dios de la guerra, Marte.  Así tiene sentido el gesto de acusación de Vulcano en la cueva del fuego.  Las muchachas bailarinas serían las nueve ninfas danzando en honor al amor de los dioses, juntas con Apolo en la lira. Mercurio se encuentra observando todo como mensajero de los dioses .

·         LEONARDO DA VINCI

Ø  Dama con armiño

Esta obra de Leonardo da Vinci, fue realizada entres lo años de 1483 y 1484, en la actualidad se la puede encontrar en la Galería Czartorysky.  Su dimensiones son de 54 x 39 cm y la técnica empleada es óleo sobre tabla.  Durante muchos años la identidad de esta joven fue desconocida, y luego de los años se ha identificado con una de las amamantes de Ludovico Sforza, Duque de Milán, su nombre es Cecilia Gallerani, que siguió a Ginevra de Benci cuando ésta se casó. La mujer se muestra retratada con un armiño en los brazos, este animal era usado para la caza de ratones, aunque también se supone que pudo tratarse de una mención al nombre de la joven mujer, pues armiño en griego se pronuncia como “galé”, y su apellido era Gallerani; el jugar con estos elementos era algo muy común de la época, como el reconocido retrato de Ginevra entre otros.  Posteriormente, el retrato de la mucha pasó por numerosos retoques, tantos que se llego a dudar de que Leonardo da Vinci hubiera intervenido en el, en un origen el fondo no debía ser negro, sino tener elementos paisajísticos.  En la obra se destaca también por la desproporción que se nota entre la mano y el rostro de la modelo, pues se trata de un mano muy estilizada con gran elegancia acentuando la pose regia de la mujer.  Como admirado de Leonardo y conquistador de Milán, el cuadro llego a manos del Rey de Francia y durante la Revolución Francesa, paso a ser propiedad del príncipe Czartoryska, en cuya colección se mantiene hasta el día de hoy.

Ø  La Belle Ferronière

La Belle Ferroinére, cuadro de Leonardo da Vinci, data del año 1495, actualmente se encuentra exhibido en el Museo Nacional del Louvre, sus dimensiones son de 62 x 45 cm y fue realizado con la técnica de óleo sobre tabla, perteneciente al Renacimiento Italiano.

Actualmente se dan varias discusiones de la modelo y el autor, aunque es considera ser una obra de Leonardo da Vinci, algunos críticos le atribuyen a su discípulo Boltraffio como su autor.  Sin embargo, la pose de la mujer, su expresividad con un toque misteriosa, el suavísimo modelado de las facciones a través de la luz,  dan a entender que pertenecen a un pintor de mayor experiencia como lo es Leonardo da Vinci  más que Boltraffio, que aunque se dedicó a imitar el estilo de su gran maestro, no era un gran artista. Otro problema que entra en la discusión es la identidad de la muchacha, el título por el que se la conoce es La Belle Ferronière. Tras la muerte de Leonardo da Vinci ha sido convervada en las colecciones reales de Francia, tomando en cuenta que Luis XII fue el último protector de Leonardo;  siendo así, varios expertos creen que la muchacha puede tratarse de la amante de Enrique II, rey francés, quien era  conocida por dicho sobrenombre.  Aunque tomando en cuenta la fecha de realización,  se puede pensar que se trae del retrato de otra de las numerosas amantes del duque de Milán, Ludovico. Sería así el retrato de Lucrezia Crivelli, muy similar a los retratos de otras amantes de Ludovico como Cecilia Gallerani o Ginevra de Benci, todas ellas mujeres muy jóvenes de una belleza misteriosa que Leonardo captó de manera inigualable.


Ø  Sagrada Familia

La Sagrada Familia de autoria de Leonardo da Vinci, fue realizada entre los años 1508 y 1510, actualmente puede ser vista en el museo Nacional de Louvre, París.  Sus dimensiones son de 168 x130 cm y fue realizada bajo la técnica de óleo sobre tabla y es de estilo del Renacimiento Italiano.  Considerada de ser una de sus obras más prodigiosas y es la última versión del tema, la primera es de nombre Cartón de Burlington House, la segunda igualmente de nombre cartón y que se encuentra perdido pero fue descrita minuciosamente por los biógrafos de Leonardo . La sagrada familia tiene una escena que parece una traslación casi literal del ideal neoplatónico del amor divino, intemporal y perfecto. La composición da la impresión de haber sólo un sujeto en la escena puesto que los tres personajes forman un continuo físico y de acciones , las tres miradas nos guía por una delicada curva a la derecha, terminando en el cordero que representa la pasión y motivo de la.  La pintura no se encuentra terminada, algo que parece ser una marca del autor, quien terminó muy pocas obras, El cuadro está inacabado, lo que ya parece una marca propia del autor, que terminó muy pocas obras. Sin embargo, el paisaje de fondo está tratado minuciosamente. Al igual que las figuras protagonistas, el paisaje carece de rasgos particulares, no está sometido al tiempo, ni a las estaciones, ni mucho menos a la acción del hombre. Es un paisaje universal, el paisaje sin pecado que queda tras la venida de Dios al mundo.

·         MIGUEL ÁNGEL

Ø  Creación del Mundo

La creación del Mundo realizada por Miguel Àngel en el año 1511 y se encuentra en la Capilla Sixtina en Roma, Italia, es un fresco del Renacimiento Italiano.  En la Capilla Sixtina, las primeras obras de Miguel Angel datan del año 1509, un ejemplo de estas es el profeta Zacarìas, y entre los años 1510 y 1511, empezó las pinturas que eran las escenas del Génesis, culminando con la creación del hombre y de la mujer.  En estos trabajos el artista casi no contó con ayuda y fue su mayor interés, pero Julio II quien lo contrató, lo presionaba para que terminara rápido. De todas las obras, este fresco en el techo y la pared del altar fueron una de las que más destacaron.  En esta pintura Dios se encuentra emergiendo del caos confuso previo a su palabra, para separar las aguas de las tierras y de este modo crear el mundo por la sola acción del verbo. En donde Miguel Ángel hace esto con un efecto grandiosos, separando las manos de Dios, fuentes de poder como si se tratase de dos mundos, además en esta imagen se encuentran pintados un hombre y una mujer en la parte superior, y son los mismos que se encuentran pintados en la parte inferior del fresco de la Creación de Adán, para darle continuidad a toda la Capilla Sixtina.

Ø  Profeta Isaías

     Es un fresco perteneciente al Renacimiento Italiano, obra de Miguel Angel, realizada en el año 1509 y se encuentra ubicada en la Capilla Sixtina en Roma, Italia.  Isaías es el profeta  de la Pasión, quien esta leyendo un libro, se ve interrumpido por el ángel que busca su atención atrás de él y que ilumina su futuro.  Aquí el artista logra contrastar la tensión del cuerpo del profeta con su relajación interior como lo dice su mirada;  al igual que sus compañeros profetas, se muestra sentada en un trono de mármol, con un desafío a la ley de gravedad, puesto que el artista Miguel Ángel brinda gran volumen a sus personajes como ilusión de que en cualquier momentos pueden descender.  Los cuerpos quedan cubiertos con paños de colores brillantes que se pegan al cuerpo para apreciar la masa muscular  y ósea delas figuras.


Ø  Castigo de Amán
   

     
     Obra de Miguel Ángel, fue realizada en la Capilla Sixtina en Roma en el año 1511, es un fresco que pertenece al Renacimiento Italiano.  Esta pintura junto con la Serpiente de bronce se encuentran en las pechinas ubicadas en la pared del Juicio Final, frente a Judith y Holofernes y David y Goliat. Los expertos consideran que fue realizada al último, como interés de Miguel Ángel por el movimiento y dramatismo de la época, sin perjudicar al color.  Este fresco se inspira en el texto bíblico de Esther, en el cual Mardoqueo soñó con simbolismos el peligro y la liberación que iba a pasar el pueblo judío, Mardoqueo descubrió una conspiración al pueblo iniciada por Amán, el primer ministro obteniendo la aprobación del rey, pero Mardoqueo a través de Esther logró cambiar su opinión y el primer ministro Amán fue condenado.  Así Miguel Ángel plasma en la pechina la historia dividida en tres momentos, a la derecha el rey Asuero ofreciendo recompensa a Mardoqueo;  a la izquierda el consejo celebrado por el rey para castigar a Amán, y en el centro el castigo de Amán, clavado en una cruz. La tensión y el dramatismo de cada uno de los momentos, fue interpretada por Miguel Ángel tan bien que demostró una vez más que su talento no era tan solo den el dibujo, sino que   también se acompaña con la armoniosa distribución de la luz y el color en el espacio para crear efectos dramáticos, reforzados por las expresiones y gestos de sus figuras.  Estas tres escenas, por medio de los elementos arquitectónicos recuerdan al Quattrocento, concretamente a Masaccio de quien Miguel Ángel aprendió más que con su verdadero maestro, Ghirlandaio.

·         RAFAEL ZANCIO

Ø  Coronación de la virgen

     Esta obra se trata de un óleo sobre tabla realizado entre los años 1502 y 1503, sus dimensiones son de 267 x 163 cm, y actualmente se encuentra en los Museos Vaticanos, pertenece al Renacimiento Italiano.  Este cuadro también es conocido como la Pala de Altar Oddi y fue encargado a Rafael por Maddalena degli Oddi para la iglesia de San Francisco en Perugia.  En la pintura, Rafael realizó una de sus clásicas composiciones simétricas, realizada en dos niveles separando la tierra del cielo.  La temática es el ascenso al cielo de la Virgen en cuerpo y alma, ahí es coronada por Jesucristo, rodeado de un coro de ángeles músicos y cantores.  Mientras tanto lo que queda en la tierra es tan solo el sepulcro de piedra, con flores y rodeado de los apóstoles y discípulos, todos sorprendidos al contemplar tan asombroso milagro, sintiéndose con gran privilegio.  Rafael realiza su obra con absoluta armonía y belleza, escogiendo con un extremo cuidado los colores, constituyendo una hermosa gradación de colores, haciendo lo mismo en otras obras como lo es la Crucifixión de Mond.

      El sepulcro de la Virgen en la obra, fue copiado de los sarcófagos romanos que se hallaron en las excavaciones, y el paisaje constituye una imagen de la campiña italiana, la cual es serena y con una suave iluminación, homogenizando toda la escena.

Ø   Desposorios de la Virgen

Ubicada actualmente en la Pinacoteca de Brera, se trata de un óleo sobre tabla del Renacimiento Italiano realizado en el año 1504, y tiene las dimensiones de 117 x 170cm.  En esta obra se puede apreciar todos los principios del arte del renacimiento Italiano, donde Rafael recopila los avances desarrollados durante el Quattrocento para realizar esta obra de perfección extraña. Un elemento que se destaca de esta composición es el templo circular al fondo de la imagen.   Tiene aquellos rasgos clasicistas que se buscaba aplicar en la arquitectura del Renacimiento, y estos son la planta central, los arcos de medio punto, las proporciones basadas en el cuerpo humano, la accesibilidad y la iluminación natural;  con todos estos elementos, el templo logra representar la perfección divina, y simultáneamente esta representa a la virgen sin pecado o el matrimonio como unión de contrarios para llegar a producir un ser perfecto. Las baldosas rectangulares donde se encuentran las figuras, logra una proyección del espacio en perspectiva con un punto de fuga central, el cual se ubica en la puerta del templo.

Ø   Madonna del jilguero

     Madonna del jilguero, es una obra de Rafael Sanzio realizada en entre los años 1505 y 1506, se encuentra en la Galería de los Uffizi en Italia, sus dimensiones son de 107 x 77 cm y se trata de un óleo sobre tabla del Renacimiento Italiano.  Esta obra fue un encargo de Lorenzo Nasi a Rafael, la razón fue su matrimonio con Sandra di Matteo di Giovanni Canigiani, y quería para decorar su palacio, el cual tuvo un gran despome en el año 1547 en donde la tabla de la obra subrio grandes daños, y fueron restaurados por el artista Michele di Rodolfo del Ghirlandio.  En la actualidad se pudo conocer que la tabla se fracturo en 17 retazos.  La obra destaca el estilo de Rafael adquirido en su estancia en Florencia, donde sobresale la blandura, la belleza y el humanismo de los personajes, expresando la filosofía católica de la época.  La obra muestra que tenia una inspiración en Leonardo por emplear una composición piramidal plenamente admirada por los artistas del

    Cinquecento, creando también una bella sensación atmosférica por medio del alto contraste entre luces y sombras.  Logra tener un gran efecto de perspectiva al colocar  a las figuras ante un Las figuras se ubican ante un extenso paisaje.  Se puede observar que el artista tomo referencias de Fra Bartolomeo y Miguel Ángel, como se ve cuando coloca la figura del Niño entre las rodillas de la madre,  con un juego de miradas increíble que refuerza la relación entre los personas y el humanismo de la pintura.

·         TIZIANO

  Ø  Clarisa Strozzi
   

   Obra del pintor Tiziano, realizada en el año 1542, actualmente           se la puede apreciar en el Staatliche Museen de Berlín, Alemania.   Sus dimensiones son de 115 x 98 cm y se trata de un óleo sobre lienzo del renacimeinto Italiano.  Tiziano retrato a Clarissa Strozzi quien era hija de Roberto Strozzi y Maddalena dei Medici, la familia vivió exiliada en Venecia entre los año de 1540 y 1542.  En el último año, Tiziano realizó la obra y curiosamente, en el mismo año el artista de Venecia, realizó otro gran retrato infantil, como lo es el de Ranuccio Farnese.  Clarisa Strozzi se encuentra vestida con sus mejores prendas, se trata de una traje blanco, como si se tratara de una persona adulta, y adornada de un hermoso cinturón dorado, con un collar y pulsera de perlas, además la encontramos jugando con un pequeño perro que esta junto a una ventana que permite admirar una agradable paisaje, como una muestra del estilo de sus primeros trabajos donde continuaba las fórmulas usadas en el arte del norte de Europa e introducidas a través de Giorgione. El perrito esta sobre un mueble, en el cual se puede apreciar un relieve donde dos angelitos se encuentran peleando. En las obras de Tiziano, no es costumbre encontrar retratos de cuerpo entero, pero este caso es diferente por tratarse de una niña.